CLASICISMO

EL NACIMIENTO DE LA ORQUESTA

La orquesta del clásica (1750-1815)

Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo. Stamitz estableció la primera orquesta clásica: la orquesta de Mannheim.

Fue la primera orquesta que utilizó los matices piano, crecendo, forte... Instrumentos que hasta entonces eran opcionales, como la flauta, trompetas o timbales, se convierten en indispensables.

En la segunda mitad del siglo XVIII se realiza una espectacular innovación: aparece el clarinete. El piano aparece a menudo como solista con la orquesta. Beethoven incluye un instrumento utilizado hasta entonces únicamente en música religiosa y ópera: el trombón.
Progresivamente va desapareciendo en clavecín de la orquesta. En su lugar, aparece el violín.

Composición de la orquesta clásica:



La orquesta sinfónica o gran obra para orquesta nació aproximadamente en 1730 y 1740. Comienza a desarrollarse en el Norte de Italia por GIOVANNI BATTISTA SAMMARITNI (1700-1775), primer compositor en manifestar una actitud verdaderamente sinfónica. Adoptó el tratamiento de matices delicados y llenos de efectos, convirtiéndose en uno de los grandes precursores del Estilo Clásico.

GIOVANNI BATTISTA SAMMARTINI:



LA ORQUESTA EN EL NEOCLASICISMO

La Sinfonía será una de las Formas Musicales características del Clasicismo.
Este es un periodo clave también para la orquesta porque aquí se configuran claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. 

De la orquesta de cámara heredada del barroco, en donde se mantiene la sección de cuerdas, aunque esta es ampliada en número. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín en al orquesta. Así también queda claramente establecida la sección instrumentos de madera.

EL CONCERTO GROSSO

EL CONCERTO GROSSO

EL CONCERTO GROSSO

Arcangelo Corelli fue el  primer compositor en usar el concerto grosso.

El concerto grosso era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que normalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en ellos el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas ( concertino) y una orquesta completa ( tutti). Los compositores franceses, preferían oponer al conjunto orquestal un pequeño trío de vientos, que continuaría en el tercer movimiento (scherzo) de la sinfonía clásica.

Dicha forma fue desarrollada probablemente cerca de 1680 por Alessandro Stradella, que  parecia haber escrito la primera pieza de música en ella un "concertino" y un "ripieno" son combinados en la forma tan característica, a pesar de que no usó el término "concerto grosso".

 El primer gran compositor  del  concerto grosso fue  Arcangelo Corelli. Luego de la muerte de Corelli, se publicó una colección de doce piezas compuestas por él (presumiblemente, los movimientos fueron seleccionados individualmente de un trabajo más grande) y pronto se propagó a través de Europa. Compositores  como Francesco Geminiani y Giuseppe Torelli escribieron concerti en el estilo de Corelli, quien también tuvo una fuerte influencia en los de Antonio Vivaldi. El número de movimientos que suele tener el concerto grosso es de tres, según la fórmula preferida por este compositor ya nombrado: rápido-lento-rápido.

LA VOZ HUMANA

LA VOZ HUMANA

La voz humana consiste en un sonido emitido por un ser humano usando las cuerdas vocales. Para hablar, cantar, reír, llorar, gritar, etc. la voz humana es la parte de la producción de sonido humano en la que las cuerdas vocales son las encargadas de hacer el sonido. Hablando de forma general, la voz se puede dividir en: pulmones, cuerdas vocales y articuladoras. Los pulmones deben producir el aire adecuado para que las cuerdas vocales vibren. Las cuerdas vocales son los vibradores, unidades que realizan un ajuste fino de tono y timbre. Los articuladores consisten en lengua, paladar, mejilla, labios, etc. Articulan y filtran el sonido.
Las cuerdas vocales, en combinación con los articulares, son capaces de producir grandes rangos de sonidos. El tono de la voz se puede modular para sugerir emociones tales como ira, sorpresa, o felicidad. Los cantantes usan la voz humana como un instrumento para crear música.


TIPOS DE VOCES HUMANAS
Las voces humanas se clasifican en función de su altura. De la misma forma que los componentes de una familia instrumental (violín, contrabajo...) suenan más grave o más agudo en función de su tamaño, en las voces humanas es también determinante el tamaño, concretamente el de las cuerdas vocales. Así, en general se puede decir que las personas con la laringe mas larga (hombres) tienen voces mas graves y las que tienen laringes más cortas (mujeres), voces más agudas.

MASCULINAS
tenor: habitualmente es el protagonista. La voz del tenor es la más aguda dentro de las masculinas: su tesitura alcanza hasta el famoso "do de pecho", y por tanto la más espectacular.
Barítono: posee una voz moderadamente grave, muy sonora, muy ancha o densa. sus papeles característicos son de personajes con tintes heroicos o de avanzada edad. 
bajo: los mismo que el barítono pero llevado al extremo: su voz es muy grave, muy potente y de una densidad y solemnidad difíciles de olvidar cuando se oye un buen bajo en directo. El papel que se les suele dar un papel de personaje maligno.

FEMENINAS
soprano: de una tesitura extraordinariamente aguda y por lo tanto muy espectacular. Les suelen dar papeles muy llamativos, aunque no muy largos, porque al final termina cansando.
mezzosoprano: Es difícil de distinguir de la anterior. la principal diferencia es que tiene una tesitura mas grave. Les suelen dar papeles solemnes, como los de una reina.
Contralto: su voz es muy grave y hay muy pocas mujeres que tengan esta voz. Las personas de raza negra son las que suelen tener esta voz. Hay mucha demanda de este tipo de voz. Sus papeles suelen ser dramáticos.

VOCES BLANCAS O DE NIÑOS
Se denomina voz blanca o voz infantil a la voz musical de los niños y niñas antes de su pubertad. Una laringe infantil es más corta que la de una mujer, y mucho más que la de un varón, por lo que las voces blancas son muy agudas.

*tesitura: altura propia de cada voz o de cada instrumento.







Aquí os dejo algunas de las voces que mas me han gustado de cada tipo de voz:


TENOR.



BARÍTONO.



BAJO.



SOPRANO



MEZZOSOPRANO.


CONTRALTO.


VOCES BLANCAS.

CASTRATI

Castrati es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto).
La castración consistía en la destrucción del tejido testicular sin que, por lo general, se llegara a cortar el pene. Mediante esta intervención traumática, se conseguía que los niños que ya habían demostrado tener especiales dotes para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos.

 

INSTRUMENTOS PRINCIPALES DEL BARROCO

INSTRUMENTOS DEL BARROCO

El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales.

 EL ÓRGANO

El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período, donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad.
En la primera mitad del siglo XVII,algunos de los compositores más destacados son:

-Girolamo Frescobaldi en Italia
-Correa de Arauxo en España
-Jean Titelouze en Francia.

Hacia el año1650, el órgano entra en decadencia en Italia y en los Países Bajos, donde el instrumento no conocerá más compositores de talla internacional.
En la segunda mitad del siglo XVII,algunos de los compositores más destacados son:

• Dietrich Buxtehu que es el más notable en esta generación,
• J. A. Reincken  en Alemania
• François Couperin  en Francia
• Henry Purcell  en Inglaterra
• Juan Cabanilles en España.

A partir de 1710, el órgano también entra en decadencia en Francia, por lo que en la última etapa del Barroco no habrá en ese país ningún compositor notable.
En la primera mitad del siglo XVIII, la última etapa del Barroco, el órgano vivirá su máximo esplendor en Alemania para después iniciar su decadencia a partir de 1750 a nivel general. En Alemania J. S. Bach representa el máximo apogeo del órgano barroco, donde la Toccata y fuga en re menor(BWV 565) es la más famosa y conocida obra para este instrumento.
Son notables Antonio Soler en España y en Inglaterra, desde 1712 G.F. Händel

EL CLAVECÍN

Jean Philippe Rameau, François Couperin, Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la primera mitad del siglo XVIII, donde representan el máximo apogeo de la música clavecinística barroca.

Rameau y Couperin son los más altos exponentes de la escuela francesa. Cabe mencionar los 4 libros de órdenes de Couperin y los libros de suites de Rameau, que es la cumbre de la música barroca francesa para teclado.

Domenico Scarlatti es el más destacado representante de la música italo-española para teclado, en especial por sus 555 sonatas, compuestas en la Península Ibérica, que exprimen las posibilidades del instrumento creando una obra variada, rica y compleja que destaca por el alcance de la modulación y un cromatismo que se percibe en las tonalidades y ritmos, influidos por la música popular española.

El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado. Destacan entre su obra las 8 grandes Suites, una de las cumbres de la suite para teclado.

J. S. Bach es quizá el compositor más destacado de todo el período, donde sus obras El clave bien temperado (BWV 846-893), las Variaciones Goldberg (BWV 988) y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia.

CARACTERÍSTICAS ESTILÍSTICAS DEL BARROCO

Características Estilísticas Del Barroco.

Características estilísticas del barroco musical.

 - Independencia musical entre la música vocal e instrumental, lo que quiere decir que no se hicieron composiciones en las que se combinasen voces con instrumentos, como en la ópera, que no llevaba acompañamiento.

- Aparición de la música escénica: la ópera. Es decir, nació para ser representada en un escenario.

- Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara. Surgieron las uniones de instrumentos.

-Superioridad de la música profana frente a la religiosa. En la música profana sobresaltó la ópera.

 - El compositor practica la mayoría de los géneros de la época. 

NACIMIENTO DE LA ÓPERA

Ópera en italiano significa "obras”, quiere decir que combina artes del canto coral y solista. Dicen que la ópera tiene sus orígenes en la tragedia griega, ya que en Florencia un grupo de personas la creó en un intento de hacer renacer la música y trato de la Antigua Grecia. Como la música de este período no se conocía, se hicieron hipótesis en las que se decía que era teatro con canciones llenas de entusiasmo.
Al principio, no se cantaba como ahora, sino que ahora  el texto hablado pero dándole una nota, para que se pudiera entender. Esto se acompañaba de un laíd o un clave para dar más énfasis en algunos fragmentos. Más tarde, a estas obras se les unieron fragmentos con orquestas, coros, etc… lo que hoy llamamos ópera.

Algunas figuras célebres de este género fueron Rameau, Wolfgang Amadeus Mozart, Puccini, Chopin, Descartes o Strauss, por ejemplo.

PASIONES HUMANAS

Reneé Descartes era  un filósofo del siglo XVII que decía que la vida estaba basada en siete pasiones humanas:

- LA ADMIRACIÓN: Llega al alma a partir de una impresión que registra el cerebro, que la tiene en cuenta por su rareza.

- EL AMOR: Proviene del alma movida por los espíritus al unirse con los objetos que le convienen.

- EL ODIO: Es la emoción que lleva al alma a separarse de esos objetos.

- LA ALEGRÍA: Es la emoción de gozo por el bien de las impresiones que se producen en el cerebro.

- LA TRISTEZA: Es la incomodidad del alma producida por el mal que registra el cerebro.

- EL DESEO: Es la pasión que agita el corazón con más violencia, provocando que esos espíritus pasen a los músculos, se agudicen los sentidos y provea de mayor movilidad a todas las partes del cuerpo.